Вазопись геометрического, коврового, чернофигурного и краснофигурного стиля. Искусство Древнего Рима. Заимствования и новации (Искусство Древнего Рима)

Содержание:

Введение

Геометрическая вазопись. На ранних этапах до 900 г. до н. э. керамическая посуда расписывалась обычно крупными строго геометрическими узорами. Типичными украшениями ваз являлись также проведённые с помощью циркуля круги и полукруги. Чередование геометрических орнаментов рисунков устанавливалось различными регистрами узоров, отделённых друг от друга огибающими сосуд горизонтальными линиями.

В период расцвета геометрики происходит усложнение геометрических рисунков. Появляются сложные в исполнении чередующиеся одинарные и двойные меандры. К ним добавляются стилизованные изображения людей, животных и предметов. Колесницы и воины во фризообразных процессиях занимают центральные части ваз и кувшинов. В изображениях всё чаще преобладают чёрные, реже красные цвета на светлых оттенках фона. К концу VIII в. до н. э. такой стиль росписи в греческой керамике исчезает.

Ориентализирующий период Начиная с 725 г. до н. э. в изготовлении керамики лидирующее положение занимает Коринф. Начальный период, которому соответствует ориентализирующий, или иначе протокоринфский стиль, характеризуется в вазописи увеличением фигурных фризов и мифологических изображений. Положение, очерёдность, тематика и сами изображения оказались под влиянием восточных образцов, для которых были прежде всего характерны изображения грифонов, сфинксов и львов. Техника исполнения аналогична чернофигурной вазописи. Следовательно, в это время уже применялся необходимый для этого трёхкратный обжиг.

Чернофигурная вазопись. Со второй половины VII в. до начала V в. до н. э. чернофигурная вазопись развивается в самостоятельный стиль украшения керамики. Всё чаще на изображениях стали появляться человеческие фигуры. Композиционные схемы также подверглись изменениям. Наиболее популярными мотивами изображений на вазах становятся пиршества, сражения, мифологические сцены, повествующие о жизни Геракла и о Троянской войне. Как и в ориентализирующий период, силуэты фигур прорисовываются с помощью шликера или глянцевой глины на подсушенной необожженной глине. Мелкие детали прочерчивались штихелем. Горлышко и дно сосудов украшались узором, в том числе орнаментами, в основу которых положены вьющиеся растения и пальмовые листья (т. н. пальметты). После обжига основа становилась красной, а глянцевая глина приобретала чёрный цвет.

Белый цвет впервые стали использовать в Коринфе и прежде всего для того, чтобы отобразить белизну кожи у женских фигур. Другие центры производства керамики, как, например, Афины, заимствовали технику коринфского вазописного стиля. К 570 г. до н. э. Афины даже превзошли Коринф по качеству своих ваз и размаху производства. Эти афинские вазы получили в искусствоведении название «аттическая чернофигурная керамика». Впервые мастера гончарного дела и художники-вазописцы стали с гордостью подписывать свои произведения, благодаря чему их имена сохранились в истории искусства. Самым знаменитым художником этого периода является Эксекий. Кроме него широко известны имена мастеров вазописи Пасиада и Хареса. Начиная с 530 г. до н. э. с появлением краснофигурного стиля чернофигурная вазопись теряет свою популярность. Но и в V в. до н. э. победителям спортивных состязаний на так называемых Панафинеях вручались панафинейские амфоры, которые выполнялись в чернофигурной технике. В конце IV в. до н. э. даже наступил короткий период ренессанса чернофигурной вазописи в вазописи этрусков.

Краснофигурная вазопись. Краснофигурные вазы впервые появились около 530 г. до н. э. Считается, что эту технику впервые применил живописец Андокид. В отличие от уже существовавшего распределения цветов основы и изображения в чернофигурной вазописи, чёрным цветом стали красить не силуэты фигур, а наоборот фон, оставляя фигуры незакрашенными. Отдельными щетинками на неокрашенных фигурах прорисовывались тончайшие детали изображений. Разные составы шликера позволяли получать любые оттенки коричневого. С появлением краснофигурной вазописи противопоставление двух цветов стало обыгрываться на вазах-билингвах, на одной стороне которых фигуры были чёрными, а на другой — красными. Краснофигурный стиль обогатил вазопись большим количеством мифологических сюжетов, кроме них на краснофигурных вазах встречаются зарисовки из повседневной жизни, женские образы и интерьеры гончарных мастерских. Невиданный прежде для вазописи реализм достигался сложными в исполнении изображениями конных упряжек, архитектурных сооружений, человеческих образов в три четверти и со спины.

Искусство Древнего Рима

Древний Рим! Вначале город-государство на реке Тибр, затем господин всей Италии и, наконец, властелин всего бассейна Средиземного моря и Западной Европы. Росло значение Древнего Рима, менялось его искусство. Древнейшие сооружения римлян не сохранились до наших дней. Мы знаем только, что строителями первых римских храмов были этруски — северные соседи римлян, умелые архитекторы и скульпторы.

Умели этруски делать большие статуи из глины, камня или бронзы. Многому этрусские мастера научились у греков, с которыми они рано завязали торговые отношения. В VI — V вв. до н. э. этруски были гораздо более развитым и культурным народом, чем римляне. Не удивительно, что именно их пригласили римляне для строительства первых своих храмов. Этруски делали и скульптуры для этих храмов, и статуи, украсившие Рим. Лишь одна из них дошла до нас — знаменитая статуя Капитолийской волчицы, кормящей Ромула и Рема (фигурки братьев-близнецов, легендарных основателей Рима, сделаны заново в XVII в. — старые не сохранились). Это творение неизвестного этрусского скульптора украшало некогда площадь города и стало символом Рима.

Но римляне не долго нуждались в помощи пришлых мастеров. Они быстро научились строить храмы, сооружать мосты, дороги, водопроводы.

Они изобрели бетон — смесь гашеной извести, песка и щебня. Жидкую бетонную массу заливали в оболочку из дерева или оклады из кирпича. Бетон, застывая, превращался в твердую монолитную массу.

Таким способом можно было строить огромные здания, простирать над широкими пространствами купола и своды. И если скромные сооружения римлян II — I вв. до н. э. дошли до нас сильно пострадавшими от времени, то перед грандиозными сооружениями первых веков нашей эры время оказалось бессильным.

Колизей (75 — 80 н. э.), или, как его называли сами римляне, Колоссей (громадный), — гигантский амфитеатр в форме овальной чаши. Некогда на трибунах Колизея располагалось около 50 тыс. зрителей, приходивших сюда смотреть бои гладиаторов. Этот предок наших стадионов имел арену, которую можно было заливать водой и превращать в бассейн.

Служебные помещения располагались под зданием и занимали пять этажей. В жаркие дни над трибунами натягивали огромный, тент, для чего вдоль верхнего края здания были поставлены деревянные мачты. 240 арок тремя ярусами окружали арену Колизея, имеющую форму эллипса, и поднимающиеся уступами в 4 яруса места для зрителей. Каждую арку обрамляли полуколонны, над которыми тянулись антаблементы.

В первом ярусе колонны были тосканские, напоминающие дорические колонны главного храма Афин — Парфенона, во втором ярусе — ионические, в третьем — коринфские (см. ст. «Архитектура»). Но в Греции колонны всегда служили опорой, в Колизее же полуколонны, прилепленные к стене, маскировали толщину стены и были лишь декорацией. Такое чисто декоративное использование колонн и полуколонн характерно для римской архитектуры и отличает ее от греческой.

И другие сооружения Рима поражают своей грандиозностью, искусным исполнением, остроумием инженерного замысла. В ряде стран Европы и Северной Африки еще сохранились римские водопроводы, мосты и дороги, и во многих местах они продолжают служить людям.

В отличие от греков, знавших только стоечно-балочную конструкцию, т. е. колонну, перекрытую балкой, и помещения с плоскими потолками, римляне разработали арочное перекрытие и систему сводов. Римские своды поражают изобретательностью, масштабами, обилием разновидностей. Едва ли не высшим достижением римской конструкторской мысли был сомкнутый феерический свод, называемый обычно купол.

Один из наиболее совершенных образцов римской архитектуры — Пантеон, храм всех богов, построенный в Риме ок. 125 г. н. э. Круглее в плане здание перекрыто грандиозным куполом диаметром более 43 м.

Только в XIX в., с изобретением железобетонных конструкций, люди научились сооружать купола такого размера, а римляне построили купол Пантеона с помощью бетона и кирпичного каркаса. Здание чрезвычайно продумано. Высота его равняется диаметру, купол представляет собой полусферу. В центре купола находится отверстие, через которое проникает поток света, освещающий все внутреннее пространство огромного зала.

Пантеон поражал великолепием своего убранства. Квадратные углубления, необходимые для облегчения массы купола, так называемые кессоны, были заполнены бронзовыми золочеными розетками, стены внутри были выложены цветным мрамором, а колонны наружного портика были выточены из цельных гранитных монолитов.

Обязательной принадлежностью римских городов были общественные бани (римляне называли их термы). Обширные здания включали бассейн с проточной водой, своего рода искусственные озера. В одних помещениях были устроены ванны с теплой или горячей водой, в других — раздевальни, парильни. Большие залы предназначались для занятий гимнастикой. Но в римских термах были созданы условия не только для физических упражнений; в них имелись библиотеки с произведениями греческих и латинских писателей, кулуары и галереи для дружеских бесед и философских споров. Термы, построенные императором Каракаллой в начале III в. н. э. (термы Каракаллы), самые роскошные из многих сотен римских бань, вмещали до 2 тыс. человек одновременно.

Внутри термы были богато украшены. Стены их отделывали цветным мрамором, пол — мозаикой, сводчатые потолки покрывали росписями. Через широкие окна с переплетами из золоченой бронзы, в которые вставляли иногда вместо стекла пластины полупрозрачного камня, лился мягкий рассеянный свет. В залах терм стояли многочисленные мраморные и бронзовые статуи.

Римляне украшали свои дворцы, общественные здания и городские площади статуями, вывезенными из завоеванных ими городов Греции и Малой Азии, или копиями с прославленных греческих оригиналов.

Благодаря этим копиям, сохранившимся в огромном числе, мы можем судить о недошедших до нас греческих скульптурах. Но относились римляне к статуям не так, как греки. Они ценили их не как произведения, воспевающие красоту и совершенство свободного человека, а лишь как красивые вещи, украшавшие их быт.

Различие в содержании и идейной направленности искусства древних греков и римлян заключалось в социально-экономическом и политическом различии их стран. В отличие от маленькой Греции Рим был столицей колоссального государства, покорителем многих стран и народов. Афины в период расцвета были рабовладельческой республикой, Рим во времена своего наивысшего могущества — империей. В Греции человек считался мерой всех вещей, в Риме — песчинкой перед силой и властью государства.

Характерны для римского искусства и архитектуры триумфальные арки, воздвигавшиеся в память военных побед, важных событий, в честь императоров.

В Риме, недалеко от Колизея, возвышается арка, поставленная в I в. н. э. по случаю завоевания города Иерусалима императором Титом (арка Тита). Она украшена мраморными рельефами, на которых изваяны сцены триумфального шествия императора. Если греческий скульптор в своих рельефах, например во фризе Парфенона, стремился выразить радость, ликование, веселье, передавал ритм праздничной процессии, то римский ваятель подчеркивал лишь торжество победителей, несущих богатые трофеи, захваченные у противника. Греки изображали свободных граждан, римляне — солдат, вымуштрованных, дисциплинированных, приученных к строю. В этих рельефах нет гармонии древнегреческих изображений, зато с особой тщательностью и достоверностью переданы детали различных предметов, вооружение воинов, их одежды и прически.

К высшим достижениям искусства Древнего Рима относится скульптурный портрет. Его возникновение связано с религией римлян, у которых был развит культ предков. В каждом доме существовали домашние святилища — ларарии, в которых рядом с изображением богов-покровителей (Лар) стояли скульптурные портреты предков. Начав с изображения умерших, римляне затем перешли к созданию портретов живых людей.

Особенно высокого расцвета портрет достиг в эпоху Римской империи. Римский портрет всегда был удивительно правдивым, часто до жестокости трезвым и беспощадным. Скульпторы прежде всего стремились добиться сходства с оригиналом. Они не приукрашали изображаемых людей, не представляли их более красивыми, чем они были в жизни. Напротив, они смело и выразительно передавали в мраморе или бронзе худые, впалые щеки и морщины стариков, отвислые жировые складки лица, или мешки под глазами, или какую-нибудь бородавку на носу. С удивительной беспристрастностью, словно безжалостным лучом, высвечивали они солдатскую грубость полководца, лисью хитрость банкира, душевную пустоту аристократа, чванливую спесь наместника провинции. А рядом с такими портретами можно видеть изображения мудрых философов и благородных матрон.

Римские скульпторы даже в портретах императоров, изображаемых в виде величественных богов или героев-победителей, или полководцев, обращающихся с речью к войскам, стремились сохранить сходство с оригиналом.

Скульпторы знали множество различных приемов. Первоначально они раскрашивали мраморные портреты, обозначая зрачки, подцвечивая губы и волосы. Позже стали вырезать на месте зрачков углубления, что придавало удивительную живость взгляду, а в бронзовые головы для этой же цели вставляли глаза из цветных камней. Для изображения волос и одежды иногда применяли и цветной мрамор.

Древнеримские художники знали секрет восковых красок, не тускнеющих от времени и не боящихся воды. Ими они создавали живописные портреты, по совершенству и выразительности не уступающие портретам скульптурным. Но особенно любили римляне технику фрески. Стены домов и общественных зданий Рима нередко сплошь покрывались внутри фресками. Иногда это были великолепные орнаменты, составленные из стеблей, цветов, фигурок людей и животных. Иногда орнаменты сочетались с целыми картинами на темы греческих и римских мифов или произведений античных поэтов. Встречаются и живые сценки из жизни римских улиц.

Не менее важную роль, чем фреска, играла в древнеримском искусстве мозаика. Из мелких кубиков, вырезанных из разноцветных камней или отлитых из стеклянной массы, римские мозаичисты выкладывали не только сложные узоры, пестрыми коврами покрывавшие полы богатых домов, но и целые картины, не уступавшие живописным по красочности и совершенству.

Высоко развито было в Древнем Риме и прикладное искусство. Тончайшие украшения и покрытые рельефами сосуды изготовляли из золота и серебра римские чеканщики — торевты.

Из драгоценных металлов чеканщики умели делать и целые статуи. У египтян и сирийцев римляне переняли искусство изготовления стекла — прозрачного и цветного, из которого они делали прекрасные сосуды, переливавшиеся всеми цветами радуги, и нарядные бусы.

Особенно большого мастерства достигли древние римляне в резьбе по твердому камню. Резные камни, называвшиеся геммами, украшали ожерелья, перстни, служили печатями. Различаются геммы двух типов.

Камни с выпуклыми, рельефными изображениями называются камеями. Их часто вырезали из многослойных камней типа оникса, сардоникса или агата, причем старались расположить изображение так, чтобы светлое лицо вырисовывалось на темном, коричневатом или зеленоватом фоне, а волосы, шлем, одежда, сделанные из верхнего слоя камня, были темнее, чем лицо. На одноцветных камнях, вроде красного сердолика, зеленого змеевика, фиолетового аметиста, вырезались углубленные, «обратные» изображения. Такие камни называются инталии. Они служили преимущественно печатями для сургуча или воска, прикладывавшимися к письмам и документам.

Каждый период в истории мировой культуры по-своему ценен. Но особую роль ученые отводят античной культуре, т. е. культура Древней Греции и Древнего Рима. Ибо литература, искусство и философия Древней Греции и Древнего Рима стали отправной точкой в развитии всей последующей европейской цивилизации. Искусство античного мира впервые воспело человека как прекрасное и совершенное явление природы.

«...Без того фундамента, — писал Энгельс, — который был заложен Грецией и Римом, не было бы и современной Европы». Античное искусство надолго сохранило значение образца и во многом осталось непревзойденным и недосягаемым.